La Historia Del Cine Mudo

¿Qué es el cine mudo?, pues el cine mudo o cine silente (cine en silencio), es aquel en el no hay sonido de voz, especialmente diálogo, y toda la película se cuenta unicamente con imágenes. El cine mudo era filmado en rollos de 35 mm, la mayoría de las películas mudas se filmó a velocidades más lentas que las películas con sonido (normalmente de 16 a 20 fotogramas por segundo frente a 24) por lo que, a menos que se apliquen técnicas especiales para mostrarlas a sus velocidades originales, pueden parecer artificialmente rápidas, lo que remarca su aspecto poco natural. No obstante, algunas películas mudas –particularmente las comedias– fueron filmadas a menor velocidad de manera intencional para así acelerar la acción.

Historia. Sus inicios coinciden con la Primera Guerra Mundial, los primeros automóviles, el primer vuelo del hombre y el inicio de la fotografía. La primera película muda fue realizada por Louis Le Prince en 1888. Era un filme de 1,66 segundos que mostraba a dos personas caminando por un jardín y se tituló La escena del jardín de Roundhay. 

¿Qué características tiene el cine mudo?. El cine mudo, como comenté al principio, es aquel que no cuenta con sonido sincronizado y consiste únicamente en imágenes, a veces acompañadas por música en directo.​ La calidad de estas películas, y sobre todo las de los años 1920, era extremadamente alta. En ocasiones se añadían subtítulos o carteles para aclarar la situación a los espectadores o para mostrar conversaciones. Se caracteriza por no haber sonido directo, debido a que no se había avanzado técnicamente en ello. Existe una gran polémica con dicho género ya que no hay sonido directo, sin embargo existe música; es musical, pero a la vez se considera mudo. En los inicios del cine mudo el plano que predomina es el plano general por el peso del cinematógrafo. 

Música. El cine mudo se valió de música instrumental propia del romanticismo para procurar que este nuevo arte fuera desde sus comienzos bien aceptado por las clases altas y aristocráticas que escuchaban aquella música. Aunque después de 1910 se alternaban música clásica y ligera. 

La música en el cine mudo trataba de representar los sucesos que ocurrían en pantalla de una manera exagerada y poco sutil. Quien decidía donde aparecían estas sutilezas era el pianista o el director y en el mejor de los casos el pianista podía visionar la película para tener una mejor idea de dónde y cómo realizarlas. Se solían utilizar ritmos rápidos para persecuciones, sonidos graves en momentos misteriosos y melodías románticas para escenas de amor. En sus comienzos, la música del cine mudo consistía en improvisaciones en directo interpretadas por un pianista u organista (música Jazz). Estas improvisaciones eran en muchas ocasiones sobre uno o dos temas.

A partir de la película de David W. Griffith El nacimiento de una nación, surgieron composiciones originales y era normal que la música se interpretara con partituras creadas especialmente. Esto suponía una importante fuente de empleo para los músicos (sobre todo en Estados Unidos) hasta la llegada del cine sonoro. Otras maneras de ofrecer música al cine mudo se llevaron a cabo por ejemplo en Brasil, donde se ofrecieron cantatas de fitas: operetas con los cantantes interpretando detrás de la pantalla. En Japón la música en vivo contaba con benshi: narrador en vivo que proporcionaba las voces del narrador y los personajes. El benshi se convirtió en un pilar fundamental en las películas japonesas, además servía como traducción para las películas extranjeras norteamericanas.

Existen varias teorías que explican el uso de la música en los orígenes del cine: 

Según Kurt London, la música empezó a usarse para disimular el ruido del proyector. Por lo tanto se incorporaba el piano, órgano, orquesta u otros grupos para remediar el constante ruido del mecanismo. “Instintivamente los propietarios de las salas de cine recurrieron a la música y esa era la solución correcta, usar un sonido agradable para neutralizar otro menos agradable".

Otra teoría dice que la música sirvió para hacer más agradable la experiencia de ver imágenes en blanco y negro sin ningún tipo de sonido.También se pensó en música de forma que hiciera creer al espectador que forma parte de un colectivo, evitando su aislamiento y facilitando su implicación en la escena. 

El cine mudo a color.  Entre 1895 y 1927, la inmensa mayoría de las películas se rodó en blanco y negro. Sin embargo, ya desde el principio muchos cineastas intentaron dar color a las filmaciones. Georges Méliès tenía un equipo de obreras que pintaban a mano los fotogramas de sus películas, logrando así que en la proyección se vieran en color. Lo más habitual, sin embargo, era otro estilo de color, que se obtenía sumergiendo segmentos de película o la película completa en un tinte de un determinado color, lo que daba a la película un tono monocromo. Para mediados de los años veinte, se había desarrollado en la industria del cine todo un código de colores según el tipo de escena. Así, las escenas nocturnas solían teñirse de azul oscuro o verde, mientras que otras tenían otros colores. La elección de estos colores era tan importante que, durante el rodaje, en la claqueta solía especificarse, además del número de toma, el color con que la escena debía teñirse en postproducción. 

La compañía Technicolor comenzó a dar sus primeros pasos en el rodaje en color natural en la etapa del cine mudo, y así estrenó su primer rudimentario proceso de color en 1917 con The Gulf Between, la primera película en color en Estados Unidos, de la que se conservan solo algunos fotogramas. El resultado no fue satisfactorio y habría que esperar a 1922 para que el proceso se perfeccionara y continuaran realizándose películas o fragmentos de películas en color, utilizando el proceso de Technicolor de dos colores, que utilizaba dos colores básicos en lugar de tres y que, por lo tanto, no permitía reproducir el 100 % del espectro de color. Clásicos del cine mudo como Los diez mandamientos, El fantasma de la Ópera o Ben-Hur contenían escenas rodadas en color. Este proceso continuó utilizándose durante los primeros años del cine sonoro hasta que, con el inicio de la Gran Depresión, el número de rodajes se redujo al mínimo y volvieron al blanco y negro. En los años cuarenta, los estudios se desentendieron de estas filmaciones en color. Technicolor, para hacer sitio en sus almacenes, destruyó los negativos, por lo que la mayoría de películas en color de este período se perdió o se conservan solo copias en blanco y negro. 

Películas perdidas.  En los años previos a la introducción del sonido se realizaron muchas películas mudas, pero un número considerable de ellas (algunos historiadores estiman que entre el 80 % y el 90 %) se han perdido. Las películas de la primera mitad del siglo XX se filmaron en rollos de película de celuloide, que era inestable, altamente inflamable y requería de una conservación cuidadosa para evitar que se descompusiera con el tiempo. Aunque la mayoría de estas películas se quemó o fue destruida, se han reciclado a muchas de ellas.

Hedy Lamarr, Más Que Una Actriz

En el último post del blog os hablaba de Florence Lawrence, la primera actriz considerada estrella de cine, y en él me dejaron el siguiente comentario: "Me recuerda a Hedi Lamarr, por aquello de los inventos. ¿Florence Lawrence inició la tradición de las estrellas en el piso dedicadas a los actores destacados?". Pues a tenor del mensaje, en este post os acercaré a esta actriz. 

Hedwig Eva Maria Kiesler, conocida como Hedy Lamarr, nacida el 9 de Noviembre de 1914 en Viena, no solo fue actriz, también fue inventora, pero antes de llegar a ese aspecto de su vida, os pongo un poco en antecedentes de quien fue Hedy como persona y actriz. 

Fue hija única de un matrimonio judío burgués, su madre pianista y su padre banquero. Desde pequeña destacó por su inteligencia y tanto que fue considerada como superdotada. Empezó sus estudios de ingeniería a los 16 años, pero tres años más tarde, en 1933, abandonó la ingeniería atraída por su vena artística, y empezó en el teatro berlinés como alumna del director Max Reinhardt. Así inició su carrera cinematográfica, y pronto sería mundialmente famosa por la secuencia de la película Éxtasis en 1933, en la que aparece completamente desnuda, primero al borde de un lago y luego corriendo por la campiña checa. Por dicha escena se la conocería como la primera mujer en la historia del cine que apareciera desnuda en una película comercial. 

Se casó con Mandl, un marido tan celoso que no soportaba la idea de que nadie la viera desnuda, tanto así que solo se podía bañar y desnudar delante de él. Se cuenta que Hedy terminó huyendo de Mandl de una tan rocambolesca que daría para hacer una película. 

En 1937, ya fuera del alcance de su celoso marido, viajó de París a Londres, donde conoció a Louis B. Mayer, el empresario de la Metro Goldwyn Mayer (MGM). De ahí huyó a los Estados Unidos, en el mismo barco en que él regresaba, para convencerlo de que la contratara como actriz. Al llegar a tierra, ya tenía un contrato de siete años y un nuevo nombre: Dyhe Ramal. ​ Así renació, pues volvió de nuevo a su vida como actriz. Gracias a su fama, le fue posible viajar a Hollywood, donde sería protegida por Louis B. Mayer quien, además, le daría un nuevo nombre inspirado en la actriz Barbara La Marr, antigua amante de Louis, que falleció en trágicas circunstancias. 

¿Qué hay más allá de su tormentosa vida personal y como actriz?, Lamarr, conocedora de los horrores del régimen nazi a través de su marido Mandl, próximo al fascismo, y por su condición de judía, ofreció al gobierno de los Estados Unidos toda la información confidencial de la que disponía, gracias a los contactos de su exmarido. Además, consideraba que su inteligencia podía contribuir a la victoria aliada. Así, se puso a trabajar para el desarrollo de nuevas tecnologías militares. 

Hedy Lamarr y el compositor George Antheil recibieron el número de patente 2.292.387 por su Sistema de comunicación secreta. Esta versión temprana del salto en frecuencia, una técnica de modulación de señales en espectro expandido, usaba un par de tambores perforados y sincronizados (a modo de pianola) para cambiar entre 88 frecuencias, y se diseñó para construir torpedos teledirigidos por radio que no pudieran detectar los enemigos. En la patente del 11 de agosto de 1942 puede leerse la inscripción H. K. Markey et al.. Las iniciales H. K. son las de Hedwig Kiesler (Hedy Lamarr); Markey era su apellido de casada, en ese momento. El hecho de que sus patentes fueran concedidas con el nombre de casada y no por el nombre artístico impidió que su contribución recibiera el debido reconocimiento en su momento. Poco tiempo después, el 1 de octubre de ese mismo año, aparecía en The New York Times la primera mención pública del invento, a pesar de lo cual las autoridades de la época no consideraron la posibilidad de su realización práctica inmediata. Ademas Hedy fue la inventora de la primera versión del espectro ensanchado que permitiría las comunicaciones inalámbricas de larga distancia, así que se puede decir que a ella le debemos el WiFi, ¿y la telefonía móvil?, tal vez algo si.

Hedy Lamarr murió en Florida el 19 de enero de 2000 con 85 años. Su hijo hizo trasladar sus cenizas a Viena, de acuerdo con los deseos de la actriz.

¿Quién Fue La Primera Estrella De Cine?

Si te suelto el nombre de Florence Lawrence, no te dirá nada, y probablemente tampoco te lo dirá ninguna de sus películas, porque Florence Lawrence fue una actriz de principios del siglo XX, y no solo eso, también fue considerada, entre otras cosas, "La Primera Estrella de Cine". 

Florence Lawrence, nacida en Canadá, fue hija de la también actriz de vodevil Lotta Lawrence, nombre que tampoco te dirá nada. Florence fue una de los pioneros canadienses del cine, que en 1906, con tan solo veinte años hizo su primera película, ese mismo año se presentó sin éxito a varias audiciones de Brodway, sin embargo en diciembre de ese mismo año le dieron el papel de la hija de Daniel Boone en la película Daniel Boone o Pioneer Days in América, porque sabía montar a caballo, en esa película también participó su madre, y ambas cobraron $5 diarios por dos semanas de rodaje. 

Al año siguiente actuó en nada menos que veinte películas más para la compañía cinematográfica Vitagraph, entre ellas The Shaughraun de Dion Boucicault, en el papel de Moya, una campesina irlandesa. Después se pasó al teatro donde trabajó nuevamente con su madre, en el que sería el último papel de Lotta Lawrence, que abandonó la interpretación, cansada de esa vida nómada. 

En 1908 volvió a Vitagraph, con quien hizo hasta 12 películas en pocos meses debido a sus habilidades con los caballos. Un año más tarde ganó popularidad con Jones series la primera serie de comedias, donde hizo de la Sra. Jones, papel que repetiría en una veintena más de películas. Y aún más popular fue en las historias de amor que protagonizó con Arthur Johnson. Hacían de marido y mujer en The Ingrate, y de amantes adúlteros en Resurrection. 

A los pocos años de tanto éxito, en 1912, Florence anunció su intención de retirarse después de haber tenido problemas matrimoniales, estos de verdad, no de ficción. Sin embargo, dos años después se vio obligada a volver a la interpretación. En el rodaje de Pawns of Destiny, un incendio preparado para la filmación, se extendió. Lawrence se quemó, el pelo se le chamuscó y sufrió una grave caída. Durante varios meses estuvo en estado de shock. Volvió al trabajo pero recayó al finalizar la película. Universal Studios se negó a pagarle los gastos médicos y Florence se sintió traicionada. Pasó mucho tiempo recuperándose de sus heridas, tanto que perdió su estatus de estrella y no volvió a recuperarlo nunca más. 

En 1921 intentó sin éxito, volver a Hollywood, y tres años después todos los trabajos que le salían, eran papeles pequeño. 

Florence Lawrence falleció en 1936 tras suicidarse con insecticida, y aunque lograron llevarla al hospital, nada pudieron hacer ahí por ella, siendo enterrada en una tumba sin nombre en el cementerio de Hollywood.  Permaneció en el olvido hasta que en 1991 el actor Roddy McDowall, a través del National Film Preservation Board, puso una placa que dice: “La Chica Biograph / La Primera Estrella de Cine. 

Como curiosidad hay que destacar que Florence Lawrence no solo fue actriz, también fue quien 
inventó el primer indicador de cambio de dirección para coches. Se trataba de un dispositivo conectado al guardabarros trasero del coche. También desarrolló la señal de STOP.

Joaquin Phoenix, Más Allá Del Joker

Mucho se está hablando en estos días de Joker, la película del principal villano y enemigo de Batman, interpretada por Joaquin Phoenix, pero Phoenix no es solo el mundialmente conocido Joker, su vida, su personaje y su persona, va más allá de este personaje. 

Joaquín Rafael Phoenix, nacido en San Juan, Puerto Rico, el 28 de Octubre de 1.974, en una familia de artistas, donde podemos destacar principalmente a River Phoenix, siendo este el mayor de un total de 5 hermanos, y que habiendo tenido una corta carrera artistica, falleció a los 23 años de una sobredosis, envenenamiento e insuficiencia cardiaca. 

Volviendo a Joaquin y sus primeros años como actor, cabe destacar campañas publicitarias y breves apariciones en dos shows televisivos en los que se presentó con su hermano River: “Seven Brides for Seven Brothers” en 1982 y “Backwards: The Riddle of Dislexia” en 1984. Hizo su gran debut en la pantalla grande en la película Space Camp, filmada en 1986, y su primer papel como protagonista llegó gracias a la película Russkies, en 1987. Pronto se confirmó como una estrella infantil gracias a Parenthood en 1989, antes de dejar la interpretación durante dos años, y tras los cuales volvió a la vida pública de una manera trágica, ya que fue él quien llamó a la policia para alertar drámatico suceso de su hermano River, hecho que le hizo no querer volver a la interpretación y a la que volvió por insistencia de sus amigos, y dado la carrera que ha tenido, podríamos decir buenos amigos. 

Regresó a la interpretación con el papel de un problemático adolescente en la película de Gus Van Sant, Todo por un sueño, papel que le trajo excelentes críticas. Después vendría El secreto de los Abbott en la que conocería a la también actriz e hija del conocido cantante Steven Tyler, Liv Tyler.

 

El año 2000 sería, probablemente su mejor año, un año que marcaría un antes y un después en su carrera. Ese año interpretó al Emperador Commodus en Gladiator, conocidísima película interpretada por Russel Crowe, y papel que le supuso una nominación al Óscar y al Globo de Oro como mejor actor de reparto, y su lanzamiento definitivo a la fama.

Muchos son los papeles que le llegaron después y hasta ahora, hasta vestirse y maquillarse de el Joker, papel que le ha devuelto a la primera línea del panorama artístico, y a ponerle en boca de todos, y en el que en esta ocasión quería destacar sus raices, su inicio, porque hay un Joaquin Phoenix, más allá del Joker.

La Primera Película Y El Primer Cartel De Cine De La Historia

Mucho se habla y se escribe de cine, casi que podríamos decir que se hace a diario en uno u otro momento, pero..., ¿sabes cual fue la primera película y el primer cartel de cine de la historia?, la inmensa mayoría, probablemente no, yo el primero. 

La primera película de la historia del cine, considerada como tal, data del año 1.895, si, del siglo XIX, bajo el título “La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon”, que traducido viene a ser..., La salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon, de los hermanos Lumière, quienes fueron los primeros en realizar y proyectar una película. Se grabó con un cinematógrafo, invento patentado por ellos mismos, y mostraba a obreros trabajando en una fábrica francesa. Dicha película fue proyectada el 22 de marzo de 1895 en la Société d'Encouragement à l'Industrie Nacional en París. 

Tras distintas presentaciones en sociedades científicas y universidades, los Lumière hicieron una proyección comercial de las películas que habían rodado en Lyon y que mostraban la vida cotidiana de la ciudad. El lugar elegido fue el Salón indien du Grand Café, un sótano del Boulevard des Capucines, el 28 de diciembre de 1895. Solo asistieron 33 espectadores que observaban con muchísima sorpresa, como barcos, obreros y trenes se “movían” en la pantalla. 

Por otro lado el primer cartel de la historia del cine fue de la película El regador regado de los hermanos Lumière (1895). Esta película podría considerarse también el primer documental, dado que no existían actores y se mostraban escenarios naturales. 

El éxito de esta película fue brillante, no sólo en Francia, sino también en el resto de Europa y América del Norte, por lo que en un año los hermanos Lumière crearon más de 500 filmaciones.

Posiblemente los muy, muy cinéfilos ya lo supieran, y para los que no lo sean tanto, no deja de ser una curiosidad más, que ahora ya si saben.